Contemporary Fine Arts freut sich, Paradise News der finnischen Künstlerin Anna Tuori zu präsentieren – ihre erste Ausstellung in der Galerie.
Die Malerei der in Helsinki lebenden und arbeitenden Künstlerin Anna Tuori (*1976) bewegt sich in einem Spannungsfeld zwischen der Sichtbarkeit und dem Verborgenen. Ihre Arbeiten kreisen um die Frage, wie Realität erfahrbar wird – und ob sie sich nicht häufig erst über Umwege erschließt: über das Imaginäre, über Fiktionen, über Illusionen. Tuori empfindet Realität nicht als etwas Stabiles oder Eindeutiges, sondern als fragil, widersprüchlich und mitunter verstörend. Entsprechend nähert sie sich ihr nicht über rationales Erklären, sondern über die Akzeptanz von Ambivalenz und Paradox.
Dieser Ansatz übersetzt sich in eine Malerei, in der es keine klaren Grenzen zwischen Innen und Außen gibt und in der verschiedene Bildebenen ineinander zu fließen scheinen. Was ist noch Leinwand, und wo beginnt das Bild? Was ist Vordergrund, was Hintergrund? In Arbeiten wie Getting the Wind Back wird dieses Spiel mit Wahrnehmung deutlich: Schauen wir aus dem Fenster hinaus oder blicken wir ins Innere? Der Vorhang, durch den wir schauen, bleibt transparent. Durch diese Verschiebung geraten Oberfläche und Tiefe ins Kippen.
In ihrer Arbeit treffen unterschiedliche malerische Stile aufeinander: Transparente, beinahe immaterielle Farbschichten aus Acryl stehen neben dichten, körperlichen Passagen aus Ölfarbe. Malerei erscheint dabei – wie in Tuoris Empfindung der Realität – als offenes Feld, in dem formale, emotionale und expressive Ebenen gleichzeitig wirksam sind. Tuori entwickelt ihre Bilder häufig aus der Abstraktion heraus, als Komposition von Farbe, Rhythmus, Berührung und Licht, die sich im Prozess für das Unvorhergesehene öffnet. Zentral ist für sie der Pinselstrich als Spur des Zögerns und der Entschlossenheit, der Realität und der Täuschung.
Die Werke der Künstlerin stehen in einem losen Dialog mit der Tradition des Stilllebens und des Memento mori. In Smell of Green sitzt ein Skelett, von großen Efeublättern umrankt, in erschöpfter Haltung mit gesenktem, zu Boden gerichtetem Kopf in der rechten Bildecke. Das Skelett fungiert als direkter Verweis auf Vergänglichkeit und Leblosigkeit, während der Efeu als immergrünes Gewächs Unvergänglichkeit verkörpert. In dieser Konstellation entsteht eine neue Form des Stilllebens, in der das Innere – das Leblose – nach außen tritt und sich mit der Idee von Dauer und Fortbestehen verbindet.
Auch in The Milk Train Doesn’t Stop Here Anymore rückt das Morbide, und hier deutlich Verstörende ins Zentrum: Die ausblutende, kopfüber hängende Kuh macht das Bild zu einem Ort, an dem Fragen nach Verletzlichkeit, Endlichkeit und Offenlegung verhandelt werden. Beide Arbeiten nutzen das Motiv des Körpers als Träger existenzieller Bedeutungen und verweigern sich zugleich eindeutigen Lesarten – zugunsten einer irritierenden Bildsprache, die die Spannung zwischen Leben und Tod, Sichtbarkeit und Verdrängung bewusst offenhält.
In ihrer Serie Mental Hospitals verbindet sich das Häusliche, eine scheinbar sichere Situation mit etwas Unheimlichem, Unbestimmtem – Bilder, die aus dem Unterbewussten entstammen. Gefühle von Geborgenheit und Angst, Vertrautheit und Fremdheit existieren hier gleichzeitig. Ihre Arbeiten lassen diese widersprüchlichen Empfindungen nebeneinander bestehen und verweisen auf eine existenzielle Unruhe sowie auf die Fragmentarität unserer Wahrnehmung, die stets situativ und stimmungsabhängig ist.
Contemporary Fine Arts is pleased to present Paradise News by Finnish artist Anna Tuori – her first exhibition at the gallery.
The paintings of Helsinki-based artist Anna Tuori (*1976) operate within a field of tension between visibility and concealment. Her work is driven by the question of how reality becomes perceptible – and whether it often emerges only indirectly, through imagination, fiction, or illusion. Tuori does not conceive of reality as stable or unambiguous, but as fragile, contradictory, and at times unsettling. Rather than seeking rational explanation, she approaches it through an acceptance of ambivalence and paradox.
This approach translates into a painterly practice in which distinctions between inside and outside dissolve and pictorial layers seem to slip into one another. What is still canvas, and where does the image begin? What constitutes foreground or background? In works such as Getting the Wind Back, this perceptual uncertainty becomes particularly palpable: are we looking out through a window, or into an interior? The curtain – normally meant to shield or conceal – is transparent. Through this subtle displacement, surface and depth begin to tilt.
Tuori’s work brings together divergent painterly strategies: transparent, almost immaterial layers of acrylic paint coexist with dense, corporeal passages of oil paint; fluid, watery moments meet a pronounced material presence. Painting appears – as in Tuori’s perception of reality – as an open field in which formal, emotional, and expressive levels are simultaneously effective. Tuori often develops her paintings from abstraction, composing with color, rhythm, touch, and light, allowing the image to unfold and open itself to the unforeseen over time. Central to this process is the brushstroke, understood as a trace of hesitation and resolve, of truth and deception.
Her works also engage in a loose dialogue with the tradition of the still life and memento mori. In Smell of Green, a skeleton sits in the right corner of the composition, entwined with large ivy leaves, its posture exhausted, and its head lowered toward the ground. The skeleton as a direct reference to transience and lifelessness, while ivy – an evergreen plant – signals endurance and continuity. From this juxtaposition emerges a reconfigured still life, in which the interior – the lifeless – moves outward and becomes entangled with the idea of persistence.
In The Milk Train Doesn’t Stop Here Anymore, the morbid – and here overtly disturbing – comes to the fore. A bleeding cow, hanging upside down, turns the painting into a site where questions of vulnerability, finitude, and exposure are negotiated. In both works, the body becomes a bearer of existential meaning, while clear-cut interpretations are deliberately withheld in favor of an open, unsettling visual language that keeps the tension between life and death, visibility and repression unresolved.
Tuori’s paintings often generate an atmosphere that oscillates between familiarity and estrangement. In her series Mental Hospitals, domestic, seemingly secure settings are infused with something uncanny and indeterminate – resembling images of the unconscious. Feelings of shelter and fear coexist. The works follow neither a logic of either/or nor an impulse toward reconciliation. Instead, they allow contradictory sensations to remain side by side, pointing to an underlying existential unease and to the fragmentary nature of perception itself – always situational, always shaped by sentiment.
